Bodegones, retratos, paisajes. No tenía una temática preferida, pero si tenía algo claro. Los artistas de verdad eran esos autores clásicos, maestros del pincel, que eran capaces de plasmar sobre el lienzo las formas y los lugares, la luz y la oscuridad. Su maestría transformaba el cuadro en una ventana hacía un universo lleno de detalles que descubrir.

En ese momento mi opinión sobre los pintores abstractos era totalmente clara. Si, la pintura puede ser muy bonita, pero “eso lo puede hacer cualquiera”. Cuatro trazos mal puestos no podían compararse con la destreza de Rembrandt. No había discusión. Bueno, si. Las evidencias estaban ahí. Ver un cuadro de Miró era algo parecido a un éxtasis. ¿cómo podía ser que cuatro trazos sencillos llegarán a tener tanto impacto? ¿cómo unas líneas, círculos y un color tan básico eran capaces de despertar tantas emociones?

Con el tiempo, ese plus que le daba a “la maestría con el pincel” fue diluyéndose. No es que no lo aprecie, sigo emocionándome con cuadros hiperrealistas como los de Lazkano. Un buen ejemplo podría ser la obra de Turner. Yo disfruto tanto con sus primeras obras, instaladas en el tradicional paisajismo inglés, como de su trabajo posterior, donde fue un avanzado del impresionismo y del arte abstracto.

Grandes artistas “virtuosos del pincel” decidieron abandonar ese realismo. Dejaron que unas líneas, unos esbozos tomaran posesión de su labor creativa. Con el tiempo dos grandes preguntas han estado constantemente a mi lado. ¿por qué alguien con ese “talento” lo deja a un lado para “pintar peor”? ¿Por qué estos cuadros en los que la realidad se distorsiona, se oculta o se disfraza me resultan tan atractivos?

En mi propio proceso fotográfico estas respuestas se han ido respondiendo ellas solas. La fotografía parece un arte donde la realidad es la gran protagonista. Un simple agujero que plasma la luz que nos devuelve el paisaje. En ocasiones, reflejar ese “cuadro” requieres de cierta destreza. Nosotros no tenemos pinceles, pero el trabajo con los filtros y demás habilidades fotográficas requieren de algo similar a lo que llamábamos “destreza con el pincel”. Yo disfruto con ello. Los que me conocen saben que no hago blending ni nada similar, así que conseguir captar la luz y acotar el rango dinámico de una escena. Trabajar con el movimiento justo de agua o cualquier otra intervención en el momento de la captura me motivan por su propia dificultad. El reto de conseguirlo. De plasmar la belleza que tenemos delante.

Me imagino que esos pintores, cuando veían sus cuadros y la reacción de la gente ante ellos se sentirán igual. No hay duda que ese reto es una de mis grandes motivaciones. Llegar a un sitio y ver si soy capaz de plasmar lo que la naturaleza me está ofreciendo. Pero, incluso cuando realizo este tipo de fotografía más realista mi gran motivación es transmitir emociones. Plasmar en la fotografía lo que el paisaje me está contando. Retratar más el sentimiento del lugar o del momento que este en si mismo.

Una de las grandes herramientas para transmitir emociones en un paisaje “realista” es trabajar con la percepción de los elementos visuales, con las proporciones, patrones o colores que podemos encontrar en la naturaleza. De esta manera, en ocasiones sin querer, nos vamos adentrando en una representación de la naturaleza cada vez más abstracta.

Con el tiempo he ido alternando estos trabajos más realistas con otros más abstractos. Para estos segundos, podemos usar técnicas pictóricas. Los movimientos de cámara, el uso de vaselina o de lentes especiales, e incluso un simple desenfoque nos ofrecen una variedad infinita de mostrar un mundo en el que solo importa el color y la forma. Un caudal abierto a los estímulos visuales sin las restricciones de la realidad.

Yo disfruto mucho en este aspecto. Es volver a ser un niño y poder, simplemente, jugar. Aunque en ocasiones el empleo de estas técnicas puede llegar a ser una habilidad más. Una nueva destreza del autor. Otra vuelta a “la destreza con el pincel”. Por ello me gusta perderme en otro tipo de abstracción. En ella mostramos una fotografía extremadamente sencilla de realizar. La dificultad está en abstraer un pequeño entorno donde la realidad, aun estando ahí, deja de tener importancia y deja paso a ese juego de líneas, texturas y colores.

En estas imágenes se junta el poder de la abstracción. Ese canal directo a las emociones, pero, además, tiene otro punto donde el espectador trata de identificar lo que está viendo. Un punto de misterio que estimula su atención y le hace más receptivo a la emoción.

Está fue la primera que me provocó de esta manera. El autor es Asier Castro, antiguo miembro de Porfolio Natural. Si la vemos así, fuera de contexto, vemos una imagen de San Juan de Gaztelugatxe sin muchos artificios en las que el lugar y el momento son muy potentes. Si a eso le juntamos la ola del primer plano tenemos un paisaje atractivo y dinámico con unas peñas singulares que marcan la foto. Pero ¿ qué tiene esta imagen para que me marcará de esta manera? Hoy en día hay cantidad de fotografías de paisajes en nuestra geografía que no tienen nada que envidiar a los de otros lugares.

España se ha convertido en un destino fotográfico de primer orden y es visitado todos los años por fotógrafos de todo el mundo en busca de estos lugares. Mi querido Cantábrico tiene una colección de localizaciones top: Costa Quebrada, Playa del Silencio, Gueirua, Brarrika… Es una lista interminable que tenemos la suerte de conocer y de tener al alcance de la mano.

Pero esto no responde a la pregunta. Para ello tenemos que poner en contexto la fotografía. Cuando yo la descubría, hace más de 15 años, el panorama fotográfico nacional era muy diferente. Yo venía del mundo analógico y hacía más fotografía urbana que paisaje. No porque no me gustara, sino porque lo veía como algo muy lejano y fuera de mi alcance.

Mis grandes referentes en paisaje eran Art Wolf, Frans Lanting o Galen Rowell. Sus fotografías me transportaban a lugares de ensueño: desiertos, bosques y montañas que te mostraban un mundo salvaje muy lejano e inaccesible.

Fue en ese contexto en el que me encontré con esta imagen. En aquella época todos esos lugares de nuestro entorno que ahora son tan conocidos apenas estaban fotografiados. Ver esta imagen y descubrir que la tenía a media hora de mi casa hizo que empezara a ver el entorno cercano de otra manera. Todos esos lugares de mi entorno que había disfrutado por el simple hecho de ir al monte o a pasear se transformaron en un mundo lleno de posibilidades.

Recuerdo que fui un montón de veces a este lugar. Al amanecer, al atardecer. Bueno, a este y a infinidad de otros. Por aquel entonces tenía un Ford Fiesta y con el empecé a recorrer todo el Cantábrico buscando, descubriendo y disfrutando de lugares que hasta entonces solo había visto de pasada.

Creo que no soy al único que le pasó algo así. En aquel entonces había una web “fotonatura” y a través de ella un montón de compañeros veíamos, a través de los ojos de otros, sitios cercanos que nada tenían que envidiar a aquellos paisajes lejanos y salvajes. Ese efecto de compartir produjo un efecto llamada. Que hoy en día no para. Eso tiene sus cosas buenas y malas, ¿verdad?

Yo me quedo con lo bueno. Hoy en día, gracias a esta imagen, sigo pensando que tenemos sitios inexplorados cerca de casa. Hace unos meses descubrí, junto con un compañero de Portfolio Natural, un bosque que no conocía y que cuando lo visitemos en el momento adecuado nos regalará grandes imágenes.

Autodidacta, compartió su afición por la fotografía de exteriores con la pintura a la acuarela y las excursiones a la montaña.

Su obra, de carácter pictorialista https://es.wikipedia.org/wiki/Pictorialismo reflejaba los parajes y gentes de la sociedad de su tiempo.

Paralelamente, realizó una importante tarea de divulgación teórica mediante la publicación de artículos sobre estética fotográfica. Algunos de ellos fueron: “Las fotografías de las naturalezas muertas” y “La fotografía artística”.

http://realsociedadfotograficapictorialismo.blogspot.com.es/p/coleccion-arcadias_01.html

Hilera de chopos, 1929

Wynn Bullock continúa siendo conocido como uno de los fotógrafos americanos más innovadores y más experimentales. Sentía que sus fotografías eran más que simples reflexiones superficiales, sino que retrataban una interacción espacio-tiempo definida por la luz.

https://en.wikipedia.org/wiki/Wynn_Bullock

Stark Tree, 1956

Exploró nuevas formas de presentar el mundo natural y sus contribuciones artísticas y técnicas a las aves y la fotografía de paisaje transformado estos géneros.

Viajo a diversos lugares del mundo buscando resaltar sus valores naturales y culturales en su fotografía. Uno de sus libros, “In Wildness Is the Preservation of the World” fue toda una declaración de intenciones.

http://www.getty.edu/art/exhibitions/porter/

Aspens by Lake, Pike National Forest, Colorado, 1959

Minor White quizá sea uno de los autores mas influyentes de la segunda mitad del siglo XX, tanto por sus fotografías como por sus libros y artículos en los que plasma su visión sobre el arte de la fotografía.

Autodidacta, evolucionó de un enfoque directo y documental hacia un método propio en el que buscaba hacer visible lo invisible resaltando con ello el propio elemento esencial.

Su trabajo se basaba en tres principios fundamentales: espacio, forma y movimiento.

No dejeis de echar un ojo a su trabajo y si podeis intentar leer algo suyo. Sin duda os mostraran que muchas de las cosas que en ocasiones consideramos creativas y originales ya lo eran hace unos años.

es.wikipedia.org/wiki/Minor_White

Para muchos de nosotros el fotógrafo estadounidense Gallen Rowel supuso una fuente muy importante de inspiración.

Cuando todo el mundo se acercaba a la naturaleza con enormes cámaras de medio formato Galen fue el primero en usar una reflex, lo que le permitió bajar el peso de su equipo considerablemente y poder mostrar imágenes desde lugares antes impensables.

Su amor por la montaña y la escalada está patente en muchos de sus trabajos. Su forma de trabajar con equipos muy reducidos, un uso novedoso de los filtros y su afán incansable de mostrar las luces extremas de lugares hasta entonces in imaginados hicieron de su trabajo algo singular.

Participó en infinidad de expediciones por todo el mundo y publicó infinidad de libros. Yo os recomendaría dos por encima de todos. «Luces de montaña» y «fotografía de naturaleza, una mirada interior» una recopilación de sus populares artículos en la revista «Outdoor Photography».

Murió en accidente de avioneta junto a su mujer , y también fotografa, Barbara en 2002.

No os perdáis algo de su trabajo en este web
http://www.mountainlight.com/

Los trabajos de Edward Weston en blanco y negro «natural studies» y sus imágenes de los desiertos de California y Point Lobos son impresionantes.
La imagen de cabecera titulada «peper» sin duda es una de mis favoritas.

Os animo a visitar su web www.edward-weston.com donde podréis ver algunos de sus trabajos más relevantes.

Quiero aprovechar la entrada para presentar al segundo hijo del autor, Brett Weston.

Ambos destacaron por una visión particular y abstracta en muchas ocasiones. En ocasiones al hijo se le tachó de «solo» de copiar a su padre, esto no era así. Eran más dos compañeros de galería que en muchas ocasiones trabajaban juntos.

Sin duda muy recomendable visitar su web www.brettwestonarchive.com

Seguimos con la serie de autores clásicos de la fotografía de naturaleza iniciada hace un par de meses. Esta vez le toca el turno a Alfred Stieglitz.

Autor de gran notoriedad en su época era respetado por sus compañeros de profesión y críticos. Destacan sus trabajos sobre desnudos, así como sus paisajes de la Selva Negra.

Durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía un arte a la altura de la pintura o la escultura.

Para ello empezó con con elementos comunes a la pintura (composición, texturas) para luego ir recurriendo cada vez más a elementos propiamente fotográficos (profundidad de campo, efecto de corte fotográfico).

http://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Stieglitz

Empezamos aquí con una nueva serie de entradas en el blog de Portfolio Natural donde intentaremos nombrar a algunos de los más claros referentes en la fotografía de naturaleza. Para algunos será una excusa para recordar a los clásicos y para otros la oportunidad de descubrir a algunos de los pioneros en esta disciplina.

Para empezar hemos elegido a Ansel Adams.

Este autor estadounidense es uno de los padres de la fotografía de naturaleza. Sus imágenes en blanco y negro del Parque Nacional Yosemite en EE.UU. entre otros lugares marcaron un antes y un después.

No sólo sus imágenes siguen siendo hoy en día iconos de la fotografía de paisaje. Sus frases y estudios sobre fotografía siguen estando hoy en día muy vigentes. Durante muchos años su sistema de zonas ha sido la guía de muchos fotógrafos.

Os animamos a visitar su web http://www.anseladams.com/ donde podréis ver algunas de sus imágenes más relevantes. También hay varios libros donde poder disfrutar de su trabajo en papel, lo cual siempre tiene un valor añadido.

Decantarse por uno solo de sus libros quizá sea una osadía, pero para empezar este que os decimos seguro que no os defrauda, “Ansel Adams: 400 Photographs”. En él podremos disfrutar de una amplia gama de fotografías que podremos degustar con calma.

Por último os animamos a ver este video en el que Ansel nos habla de la “fotografía creativa”, podéis activar los subtítulos para no perderos nada.

Poco a poco iremos mostrando otros clásicos y referentes. Esperemos que sean de vuestro agrado, tanto a los que ya los conocen como a los que los descubren por primera vez.