Los fondos son esenciales para conseguir una buena fotografía, yo diría que el fondo es casi tan importante como el motivo principal, con esto no quiero decir que tenga que competir en atención con  él, pero si tiene que acompañarlo muy bien y así complementarlo para conseguir un equilibrio entre fondo y motivo principal. Personalmente suelo invertir tanto tiempo en el fondo que al motivo principal (siempre y cuando el motivo principal te lo permita claro está) buscando diferentes puntos de vista, variando diafragmas, iluminación y así ver cómo se comportan los distintos elementos con distintos desenfoques y siempre prestando especial atención a brillos o zonas muy claras que puedan llamar demasiado la atención. Siguiendo este método de trabajo suelo construir diferentes tipos de fondos.

Fondos lisos: Son realmente fáciles de conseguir y se utiliza mucho para que el motivo principal resalte más, imaginemos que simplificamos la profundidad de una foto en diferentes planos…simplificándolo mucho, basta con acortar la distancia entre tu sensor y el motivo principal y que el fondo este lo más lejos posible de este creando así un plano principal a foco y uno secundario como fondo.

Fondos lisos degradados: Se consiguen de la misma manera que los lisos, sin embargo  hay que trabajar y ser más cuidadoso para conseguir un fondo con algún tipo de degradado. Alguna manera de conseguir esto es buscando diferentes tipos de vegetación en el fondo o buscando el horizonte entre vegetación y el cielo.

Fondos negros: Resaltan aún más al motivo principal, te permite trabajar con diafragmas muy cerrados aumentado considerablemente la PDC  y son muy agradecidos  con motivos traslúcidos, para conseguir fondos negros suelo utilizar  la falta de luz, en zonas sombrías y utilizando diafragmas muy cerrados, si es necesario lo complemento con algo negro que tenga a mano, como pueda ser la propia mochila.

Fondos blancos: Funcionan muy bien para fotos minimalistas, aquí suelo utilizar la tela blanca de alguno de mis difusores o si el día está encapotado con un simple contrapicado donde aparezca el cielo nublado y sobreexponiendo un poco es suficiente. Es importante que no aparezcan muchos elementos en el encuadre y que el color blanco se claro dominante de la escena para  no perder este efecto de minimalismo.

 Fondos con desenfoques progresivos: Otra alternativa son los fondos con desenfoques que integran al motivo principal en su entorno. La idea de dividir la profundidad de la foto en diferentes planos es la misma, lo que pasa que aquí a diferencia con los fondos lisos vamos a utilizar muchos más planos que vamos a ir desenfocando progresivamente encontrando el diafragma y la distancia adecuada, cuidando más la iluminación ya que hay más detalles en la foto y sobre todo prestando mucha atención a todos los elementos que entran en el encuadre.

Creación de ambientes: A veces es divertido intentar crear ambientes especiales si la ocasión lo permite. Para esto ya vamos a tener que trabajar muy bien con los desenfoques y con la iluminación, dos puntos muy importantes para la creación de este tipo de fotos.

Los desenfoques a contraluz crean unas texturas especiales, sobre todo en zonas claras, es muy interesante ir probando diferentes diafragmas para ver los diferentes resultados. Gotas de agua depositadas en las hierbas o musgos con una luz trasera o incluso lateral suele crear unos bonitos flares aunque de nuevo tendremos que disparas con diafragmas muy abiertos para que luzcan lo más redondos posibles. Al final, todo es probar cosas nuevas y combinar lo que tenemos alrededor de nuestro motivo.

Un total de 293.155 hectáreas, según los últimos datos del Sistema Europeo de Información de Incendios Forestales (EFFIS), del programa Copernicus de la Unión Europea, se han quemado en nuestro país en el año 2022.

A quien más o a quien menos le ha pillado alguno de estos devastadores incendios cerca de donde reside habitualmente.

En mi caso a escasos 45km de casa, un paraje dividido entre los municipios de Jumilla (en la Región de Murcia) y Hellín (Albacete, Castilla la Mancha).

Hace unas cuantas semanas me dispuse a visitar la zona para sopesar la dificultad de los accesos a la zona quemada. No podía imaginar lo que encontré al llegar allí. Reconozco que la situación me pareció dantesca, me vi sobrepasado por el horror de la escena.

En un esfuerzo por trabajar en la zona con imágenes que me pudieran identificar como fotógrafo, huyendo en cierto modo del documentalismo, me centré en un ejemplar de pino mediterráneo (Pinus halepensis), tratando de aislarlo de su entorno con una clave alta y el uso del blanco y negro.

© 2022 David Frutos Egea

Rápidamente me llamó la atención, y fue lo que más me impactó, ver la cantidad de piñas inmaduras que habían sido pasto de las llamas junto a su creador. Cierto es que las piñas maduras, que albergan las semillas de las nuevas generaciones de pino mediterráneo, protegen muy bien del fuego y otros elementos su preciado tesoro. A este ejemplar joven no le ha dado tiempo de cumplir su función.

© 2022 David Frutos Egea

Fue en ese preciso momento cuando empezaron a llegar a mi mente imágenes que desfiguraban la realidad, como si de un brote psicótico se tratara. Solo salían de mi pensamiento una serie de palabras: «vaya desastre», «no puede ser», «qué lastima»…

© 2022 David Frutos Egea

Pasaban los minutos y mi pensar se iba directo a esa enorme cantidad de piñas quemadas que nunca tendrán la ocasión de contribuir a perpetuar la especie.

Finalmente todo tiende a diluirse. Esta imagen final sirve como despedida y desvanecimiento de un ser vivo que ya nunca volverá.

David Frutos Egea – Enero de 2023

Bodegones, retratos, paisajes. No tenía una temática preferida, pero si tenía algo claro. Los artistas de verdad eran esos autores clásicos, maestros del pincel, que eran capaces de plasmar sobre el lienzo las formas y los lugares, la luz y la oscuridad. Su maestría transformaba el cuadro en una ventana hacía un universo lleno de detalles que descubrir.

En ese momento mi opinión sobre los pintores abstractos era totalmente clara. Si, la pintura puede ser muy bonita, pero “eso lo puede hacer cualquiera”. Cuatro trazos mal puestos no podían compararse con la destreza de Rembrandt. No había discusión. Bueno, si. Las evidencias estaban ahí. Ver un cuadro de Miró era algo parecido a un éxtasis. ¿cómo podía ser que cuatro trazos sencillos llegarán a tener tanto impacto? ¿cómo unas líneas, círculos y un color tan básico eran capaces de despertar tantas emociones?

Con el tiempo, ese plus que le daba a “la maestría con el pincel” fue diluyéndose. No es que no lo aprecie, sigo emocionándome con cuadros hiperrealistas como los de Lazkano. Un buen ejemplo podría ser la obra de Turner. Yo disfruto tanto con sus primeras obras, instaladas en el tradicional paisajismo inglés, como de su trabajo posterior, donde fue un avanzado del impresionismo y del arte abstracto.

Grandes artistas “virtuosos del pincel” decidieron abandonar ese realismo. Dejaron que unas líneas, unos esbozos tomaran posesión de su labor creativa. Con el tiempo dos grandes preguntas han estado constantemente a mi lado. ¿por qué alguien con ese “talento” lo deja a un lado para “pintar peor”? ¿Por qué estos cuadros en los que la realidad se distorsiona, se oculta o se disfraza me resultan tan atractivos?

En mi propio proceso fotográfico estas respuestas se han ido respondiendo ellas solas. La fotografía parece un arte donde la realidad es la gran protagonista. Un simple agujero que plasma la luz que nos devuelve el paisaje. En ocasiones, reflejar ese “cuadro” requieres de cierta destreza. Nosotros no tenemos pinceles, pero el trabajo con los filtros y demás habilidades fotográficas requieren de algo similar a lo que llamábamos “destreza con el pincel”. Yo disfruto con ello. Los que me conocen saben que no hago blending ni nada similar, así que conseguir captar la luz y acotar el rango dinámico de una escena. Trabajar con el movimiento justo de agua o cualquier otra intervención en el momento de la captura me motivan por su propia dificultad. El reto de conseguirlo. De plasmar la belleza que tenemos delante.

Me imagino que esos pintores, cuando veían sus cuadros y la reacción de la gente ante ellos se sentirán igual. No hay duda que ese reto es una de mis grandes motivaciones. Llegar a un sitio y ver si soy capaz de plasmar lo que la naturaleza me está ofreciendo. Pero, incluso cuando realizo este tipo de fotografía más realista mi gran motivación es transmitir emociones. Plasmar en la fotografía lo que el paisaje me está contando. Retratar más el sentimiento del lugar o del momento que este en si mismo.

Una de las grandes herramientas para transmitir emociones en un paisaje “realista” es trabajar con la percepción de los elementos visuales, con las proporciones, patrones o colores que podemos encontrar en la naturaleza. De esta manera, en ocasiones sin querer, nos vamos adentrando en una representación de la naturaleza cada vez más abstracta.

Con el tiempo he ido alternando estos trabajos más realistas con otros más abstractos. Para estos segundos, podemos usar técnicas pictóricas. Los movimientos de cámara, el uso de vaselina o de lentes especiales, e incluso un simple desenfoque nos ofrecen una variedad infinita de mostrar un mundo en el que solo importa el color y la forma. Un caudal abierto a los estímulos visuales sin las restricciones de la realidad.

Yo disfruto mucho en este aspecto. Es volver a ser un niño y poder, simplemente, jugar. Aunque en ocasiones el empleo de estas técnicas puede llegar a ser una habilidad más. Una nueva destreza del autor. Otra vuelta a “la destreza con el pincel”. Por ello me gusta perderme en otro tipo de abstracción. En ella mostramos una fotografía extremadamente sencilla de realizar. La dificultad está en abstraer un pequeño entorno donde la realidad, aun estando ahí, deja de tener importancia y deja paso a ese juego de líneas, texturas y colores.

En estas imágenes se junta el poder de la abstracción. Ese canal directo a las emociones, pero, además, tiene otro punto donde el espectador trata de identificar lo que está viendo. Un punto de misterio que estimula su atención y le hace más receptivo a la emoción.

EMULANDO LAS GRANDES CORRIENTES PICTORICAS

Después de fotografiar convencionalmente los primeros días desde la orilla y desde dentro del propio lago; aquél caos de troncos y ramas no me acababa de proporcionar mucha satisfacción. Aquí usé mucho el 100-500 mm para intentar aislar algunas zonas, pero la labor no era fácil con tanta rama, con tantos troncos y tanta vegetación enmarañada y que se sobrepone. La foto de dron resultaba ser mucho mas agradecida, y cada día vaciaba las 5 baterías.

Así que decidí cambiar de estrategia e intentar sacar fotos emulando las grandes corrientes pictóricas, dando un toque más abstracto y pictórico a las fotos. Para ello recurrí al ICM (Intentional Camera Movement, en español, Movimiento de Cámara Intencionado).

Usando un filtro de Densidad Neutra de 6 pasos, y ajustando los valores de exposición, conseguía tiempos de obturación entre 1 y 6 sg, suficientes para poder mover la cámara durante la exposición y así obtener este tipo de fotos.

Aprovechando el lago helado y el cielo claro, sobreexponiendo un poco y moviendo la cámara de forma circular durante el tiempo de la exposición, llegué a conseguir esta foto que me ha agradado, de un acentuado aspecto pictórico y donde consigo rebajar el peso de los troncos muertos, mientras se puede apreciar las ramas y follaje de los árboles, que fijan nuestra atención.

Tenía que volver también con imágenes de los troncos del medio del lago, así que recurrí también al ICM, aunque esta vez solo moviendo la cámara en sentido vertical. No resultaba fácil conseguir un movimiento en la misma vertical, así que tras unas pruebas, conseguí esta foto.

Estas fotos sólo salen bien si existe un contraste bueno entre objetos de la imagen, cual es el caso. Los troncos medio iluminados, medio en sombra, contrastan con el hielo del lago.

El haber recurrido al recurso del ICM en este escenario, me ha salvado este viaje en el aspecto fotográfico, pues me ha permitido sacar una serie de fotos que me han satisfecho e incluso justificado el viaje. Espero que esta experiencia os sirva y que a la hora de fotografiar en sitios como éste, os acordéis de que tenéis a vuestra disposición mas posibilidades técnicas para realizar grandes fotos … eso sí, no os olvidéis de llevar con vosotros un filtro de Densidad Neutra potente.

Un saludo

Juan Zas Espinosa

No quedaría completo esta serie de entradas sobre el uso del teleobjetivo en el paisaje si no habláramos del minimalismo, quizá la aplicación extrema de usar este tipo de focales en fotografía de paisaje.

¿QUÉ ES EL MINIMALISMO?

Según la RAE, «el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, etc.»

Podemos decir que el minimalismo es la tendencia a reducir a lo esencial, a prescindir de elementos sobrantes, no sólo a nivel artístico o estético sino en todos los niveles. El minimalismo es sinónimo de simpleza o simplicidad.

El teleobjetivo nos ayuda a aislar elementos al poder extraerlos del amplio contorno en que se encuentran y a fijar la atención sobre ese elemento o elementos. Y para resaltarlo más, debemos eliminar lo mas posible la información del entorno dónde se encuentra. Para ello, podemos ayudarnos de ciertas técnicas fotográficas y de la meteorología. Veremos a continuación algunos ejemplos.

En esta primera foto tomada con una focal de 400 mm, intentamos dar un primer paso hacia el minimalismo. Con el  movimiento de cámara conseguimos reducir al mínimo el detalle de los árboles. Con la ayuda del  monte nevado y un poco de sobreexposición, la sensación de monte quemado se nos hace mas  patente. La escena se ha simplificado hasta parecer casi una imagen en blanco y negro.

En esta segunda foto, tomada con una focal de 150 mm, tratamos de plasmar el entorno nevado de las lomas suaves de los campos de Biei (Hokkaido, Japón). La imagen procesada en blanco y negro, ayuda a crear ese ambiente invernal. La suave loma  nevada y el cielo gris ayudan a concentrar la atención sobre los elementos que destacan. Aquí es clave una adecuada distribución espacial de los árboles de la escena, que le da una armonía.

Y ya por fin en esta tercera foto, aislamos un solo elemento usando una focal de 100 mm. Su disposición en uno de los puntos de anclaje, ayuda a transmitir una sensación de soledad y aislamiento.

En esta cuarta foto, tomada con un teleobjetivo de 500 mm, recurrimos a una clave alta sobrexponiendo la escena, aislando del cielo de fondo este pino de forma curiosa, que parece un cuerpo fantástico que nos quiere asustar. Aquí el protagonista indiscutible es la forma del pino, no hay elementos que nos distraigan.

Y ya por último, una composición minimalista cuidada, tomada con un 70 mm, dónde se busca un simbolismo tipo yin y yan, tratando de repartir los pesos de la imagen entre la roca que asoma de la nieve y el sol que se cuela entre las nubes, mientras que la división del horizonte hace de árbitro entre ellos.

Estos son sólo unos ejemplos de imágenes de corte minimalista que se pueden obtener combinando el teleobjetivo, el uso de ciertas técnicas fotográficas y la meteorología.

Y así llegamos al final de esta serie de entradas de blog sobre el uso del teleobjetivo en la fotografía de paisaje. Espero que os haya animado a partir de ahora a llevar también en vuestra mochila un teleobjetivo y , lo mas importante, a usarlo !!!

Un saludo.

Juan Zas Espinosa

Por eso si queréis (si no estáis acostumbrados) podéis jugar un poco a dónde está Wally, tratando de encontrar sobre la toma general dónde se encuentran los detalles que os muestro en las fotografías siguientes de esta entrada.

Seguimos con otro escenario famoso de Canadá, la famosa catarata Sunwapta, también perteneciente al Jasper NP:

Viendo esta típica foto, lo normal sería decir: ya la tengo, me puedo ir a otro lado …. Eh!, espera  un poco … porqué no disfrutas un poco más y empiezas a escudriñar qué zonas pueden tenernos reservados mensajes secretos o mágicos. Párate y observa la escena.

Empecemos por lo mas obvio, fuera del bosque lo qué llama más la atención es el núcleo central de la cascada … pues empecemos por ahí, vamos a usar una focal de 100 mm:

Buff, la cosa ha cambiado, ahora un mundo de fantasía se nos ofrece a la vista

Vamos a emplear un poco de más de focal, vamos a subirla a 140 mm  a ver que nos encontramos.

Esta composición cierra mas el encuadre y ahora hay que echar la imaginación a volar … No os llama algo la atención en la parte superior de la imagen … fijaros bien … un personaje de una serie de películas de ciencia ficción de terror muy conocida viene a visitarnos … BINGO … El alien nos visita!.  Incluso se podría adivinar un animal en primer plano (que vemos de espaldas) mirando hacia el alien.

Pero es que además, si seguimos fijándonos, podemos observar algo más.

Hay mas figuras reconocibles en la escena que nos pueden sugerir algún escenario diferente. Si nos fijamos en esta zona baja de la cascada, parece distinguirse  la cara de un guerrero indio (a la derecha, nariz con nieve) que mira como su caballo (izquierda, orejas y morro nevado reconocibles) se lava o juega en la cascada de agua. Es otro ejemplo de pareidolia (en este caso por partida doble ! ).

Volviendo de nuevo justo al centro de la foto primera (la general), vi una forma que me sugería algo, así que utilicé mas focal, en este caso 270 mm, y me centré en ella. Y esto es lo que surgió:

Dando rienda suelta a mi imaginación, me transportó al cuento de las 1.001 una noches… una princesa árabe con su velo sobre la cara congelada parecía que quería contarme alguna historia.  Aquí en esta foto he jugado además a emplear un balance de blancos un poco mas frío para dar una sensación mayor de ambiente gélido.  El detalle de los churretones congelados se asemejan a una decoración de bolillos y encaje.

Pero recordar también que hay que  jugar con las orientaciones de la cámara. Esta misma foto con orientación para retrato y cambiando un poco el encuadre es también muy válida. Si la foto anterior daba la impresión de que nuestra princesa era un mero espectador pasivo o melancólico, en esta foto el papel cambia. Ahora al reconocer bien los chorros de la cascada que van hacia ella, nos está dando mas información de cómo se ha formado y de su fragilidad.

Y así llegamos al final de esta tercera entrega. Si he conseguido despertar, aunque sólo sea un poco, vuestra curiosidad  me doy por bien pagado. Animaros a usar el teleobjetivo en el paisaje, al  principio puede costar un poco a quien no tenga mucha experiencia en localizar qué zonas son interesantes … pero el resultado al final os será muy gratificante.

Que la magia de las montañas, los bosques y los lagos os hable y os susurre al oído sus historias. Un saludo y hasta la próxima entrega.

Juan Zas Espinosa

Si no tienes la vista muy entrenada fotográficamente, puede ayudar el ajustar el teleobjetivo (si es un zoom) con una focal no muy grande, 100 mm por ejemplo. Ahora usar el modo Live View de la cámara para aquellas que son sin espejo, … y empezar despacio a barrer y movernos sobre nuestro paisaje para ver en la pantalla de la cámara aquellas zonas que os llamen más la atención compositivamente.

Yo os voy a mostrar lo que a mí me llamó la atención y porqué. Empezamos con esta foto de las cataratas Athabasca, en el Jasper NP.

De esta visión  general en un día malo, cerrado de nubes y con además poca agua y poca nieve en las montañas, me llamó la atención y me pareció mas fotogénico el concentrarme en sacar fotos de los finos hilos de agua que caían hacia el lado central de la catarata. Ese contraste entre claro y oscuro creo que podía tener potencial.

Realicé fotos con diferentes focales, la primera mas general con 100 mm y que abarcaba el conjunto de los dos escalones de agua.

Para la segunda foto, me concentré solo en el primer escalón de agua y parte del segundo. Empleé una focal de 170 mm para eliminar la gran masa de agua del paso principal. Este es el resultado, una foto mas redonda:

Otro factor a tener en cuenta es el formato de la imagen, hay veces que un formato diferente puede presentarnos una visión mas completa, tal cual es el caso del formato 1:1. Dar un poco más de aire en los laterales de la foto vertical de arriba nos puede aportar un poco más de información sobre el lugar y crear un ambiente diferente. En este caso al aumentar la cantidad de masa rocosa que se visualiza en la foto, nos sugiere un ambiente mas cerrado en el que el agua puja por ir salvando constantes obstáculos hasta llegar al lecho del rio.

Como veis son tres fotos diferentes, de composición agradable y que nos ha permitido trabajar este escenario independientemente del mal tiempo y de la luz que había en la escena. Nos volvemos a casa con mas fotos, no sólo con la típica vista general de la cascada, tomada desde el mirador. Así hemos maximizado las posibilidades que un lugar te ofrece y volvemos con una buena colección de fotos de esta cascada.

Nos vemos en la próxima entrada de este blog.

Juan Zas Espinosa

Cuando preguntas a los fotógrafos mas conocidos y expertos qué lentes recomiendan para hacer fotografía de paisaje, la respuesta común suele ser casi siempre objetivos en el rango del 14-24 mm o del 16-35 mm de focal.

Desde el punto de vista compositivo, el uso de estos objetivos angulares obliga casi siempre a plantearse la fotografía con tres planos diferentes:

• Un plano de fondo, quizá el mas importante, porque suele transmitirnos la información sobre el entorno: unas montañas por ejemplo.
• Un plano primero que da fuerza a la fotografía, donde puede aparece el primer plano mas grande que la realidad (dependiendo de la cercanía y el angular empleado). Busca introducir al observador en el paisaje: suelen ser unas rocas, unas flores, etc
• Un plano intermedio, que sirve de nexo de unión entre los dos planos principales: puede ser un valle, un rio, etc.

Pero sin embargo, mayoritariamente se obvia el uso de las lentes de focal larga o teleobjetivos para el paisaje. Voy a intentar en estos artículos animaros a que lo llevéis en la mochila cuando vayáis a hacer foto de paisaje, y que además lo uséis.

El uso de la focales largas en el paisaje está ligado a tener una visión del paisaje mas específica, mas íntima, incluso mas personal y con menos sujetos fotográficos, pudiendo llegar al minimalismo. Hay que tener una visión entrenada para saber reconocer formas; hay que saber reposar delante de ese paisaje que tienes enfrente y empezar a escudriñar posibles zonas de interés. El estar acostumbrado a sólo mirar de forma amplia durante mucho tiempo suele ser un inconveniente. Dicen que nuestra visión equivale a mirar por una cámara FF (Full Frame = Cuadro Completo) dotada de un objetivo de 50 mm, (aunque hay que sumarle nuestra visión periférica). El ojo focaliza sobre lo que nos interesa, sobre lo que deseamos o nos llama más la atención.

El uso de focales largas en la fotografía de paisaje rompe con la composición en tres planos, al cerrar mas el campo visual y mostrarnos directamente algo interesante o particular de ese paisaje que observamos y del que queremos hacer participes a los demás. El uso del teleobjetivo tiende a aplanar más la imagen, por lo cual donde antes había generalmente tres planos, ahora se reducen básicamente a dos: un plano intermedio y un plano de fondo.

Un ejemplo puede ser esta foto tomada en el ártico canadiense, dónde lo que intento trasmitir es esa atmósfera gélida, de un paisaje azotado por la ventisca de nieve y cubierto por una niebla que quiere levantarse porque unos tímidos rayos de sol poniente doran ya el fondo. Aquí he empleado una focal de 150 mm y se puede observar cómo los planos se han reducido a dos, tal como decía. Los árboles del fondo, tapados y medio borrosos por la ventisca, aportan un sentido de profundidad.

En esta otra situación, también tomada en la costa ártica de la Bahía de Hudson (Canadá), la combinación de colores que se creó sobre la playa ártica al momento de ponerse el sol contrastaba fuertemente con la tormenta que venía al fondo y con un fenómeno muy curioso que es lo que quería resaltar: la temperatura fuera era de -31ºC y el mar se estaba congelando (se aprecia en el agua de la orilla) … pero el mar no estaba congelado. Ese gradiente de temperatura hacía que la superficie del agua de mar se evaporara y creara esa neblina teñida de rosa por el sol poniente. Aquí el plano intermedio se ha alargado, transformándose en un plano cercano (las plantas de la playa, porque así lo busqué) y un plano mas largo (las olas). El pano de fondo se corresponde con la neblina y la tormenta, al final del plano de las olas.  Esta foto fue tomada con una focal de 200 mm aproximadamente.

Un ejemplo más, es la típica foto de los lagos canadienses (o de nuestros lagos), que solemos sacarla siempre con grandes angulares y dónde vemos las montañas y sus bosques reflejados en sus aguas … pero nos perdemos cosas interesantes, a veces llenas de magia y color, que nos habla y susurra de este  paisaje de una forma diferente. Esta foto fue tomada con una focal de 220 mm. Aquí jugamos a cambiar el orden los planos: el fondo está nítido mientras el plano intermedio está difuminado por el reflejo. La vista recurrentemente tiende a anclarse en ese fondo que nos atrae además por su color.

Y así llegamos al final de la primera parte de esta serie de artículos. En ella he pretendido introduciros al uso del teleobjetivo en la fotografía de paisaje y mostraros el rol que juegan los diferentes planos de la imagen en función de lo que deseamos transmitir.

Si he conseguido despertar, aunque sólo sea un poco, vuestra curiosidad por usar el teleobjetivo en el paisaje, me doy por bien pagado. Un saludo y os espero en la siguiente entrada de esta serie.

Juan Zas Espinosa

Esta disciplina, poco a poco, se ha ido abriendo un hueco en los grandes certámenes de fotografía que tienen por objeto a la naturaleza y a todo lo que la engloba. Son muchos los fotógrafos que se han hecho un nombre por esa vía y por la indudable calidad de sus obras.

Llegados a este punto, unos simples postes para tendido aéreo, colocados en una zona de especial protección para las aves (ZEPA) y también declarada lugar de interés comunitario (LIC), como es el MAR MENOR, en la Región de Murcia, pueden servinos perfectamente para buscar el lado estético de una aberración.

David Frutos Egea © 2014 – Los postes de la vergüenza

Y todo esto para qué, os estaréis preguntando. ¿Qué otra cosa podría ser que la búsqueda de la civilización?

Ahora soy yo el que se pregunta, ¿no sería mejor haber acometido este tendido de forma soterrada? !Qué tontería estoy diciendo! Sale mucho más barato y es más rápido de hacer «plantarlos» y salir corriendo.

Pobres gentes, aquellas que viven en La Manga, pero espera, ¿estamos seguros de esta afirmación? Tal vez ellos ni se preguntan, estoy seguro, de donde viene su bienestar.

David Frutos Egea © 2014 – Los postes de la vergüenza II

Ya es tarde, muy tarde para hacerlo mejor. En aquellos años nadie pensaba en los animales, en el medio ambiente, solo en progresar cuanto más rápido mejor. ¿A qué precio? Solo el tiempo lo dirá.

Ahora nos corresponde a nosotros, a las generaciones que toman las decisiones, hacerlo mejor. Mirar al futuro no trae nada halagüeño, pero tal vez haya una esperanza para el ser humano sobre La Tierra.

David Frutos Egea – Diciembre 2020

Un recurso compositivo que ya utilizaban con frecuencia algunos pintores románticos, como Casper David Friedrich, y que los fotógrafos de naturaleza tenemos oportunidad de explorar.

Denostado por algunos de los grandes fotógrafos paisajistas del siglo XX, como Ansel Adams, o mostrándonos toda su fuerza creativa y simbólica por otros, como Gallen Rowell, sigue siendo un tema ciertamente discutido.

Y lo es, desde mi punto de vista, no por una cuestión puramente estética, en la que las razones para incluir la figura humana en el paisaje en determinadas fotografías está sobradamente justificada, desde una perspectiva compositiva. Ya sabemos que un paisaje monumental, en el que no entendemos sus dimensiones una vez fotografiado, pierde fuerza. La figura humana puede aportar la escala necesaria para comprender la dimensión real del paisaje, aportando sentido a la imagen, y también cierta carga simbólica y emotiva.

Pero la controversia real, viene dada por cuestiones filosóficas y culturales, no tanto por las técnicas creativas o compositivas. El ser humano viéndose a sí mismo fuera del orden natural.

La dicotomía entre lo cultural y lo natural, un tema apasionante que grandes pensadores de todos los tiempos y diferentes escuelas y disciplinas lo abordan en su obra, sin una respuesta clara, y que la fotografía puede poner en valor.