A día de hoy numerosas personas no han podido reconstruir sus vidas y siguen sin poder tener una vivienda propia o recuperar sus negocios. También, siguen sin percibir las ayudas pertinentes y se continúan sufriendo las consecuencias que conlleva la post erupción, ya que se mantiene la emanación de gases a niveles insalubres que imposibilitan hacer vida en determinadas zonas, especialmente en Puerto Naos y la Bombilla, enclave turístico de la zona sur oeste y que actualmente siguen manteniendo el acceso prohibido a la población residente.

Sin duda alguna, todo lo expuesto pasa inadvertido para todas esas personas que han vivido este fenómeno solo a través de simples fotografías o imágenes retransmitidas en televisión, pero no para los habitantes de la isla que presentan grandes secuelas psicológicas y que sienten lo ocurrido como si hubiese sucedido ayer, siendo algo que probablemente no podrán olvidar a lo largo de su vida.

Por ello y para que no caiga en el olvido y tengamos presente a nuestros vecinos palmeros, los cuales siguen necesitando de nuestra ayuda y apoyo, veo la obligación de redactar este post y de recordar a través de mis fotografías, el poder destructivo de la naturaleza que originó las secuelas de una erupción.

A mí me sucede lo mismo. Las tres fotografías que os presentaré a continuación muestran cual ha venido siendo mi evolución técnica y emocional ante unos álamos blancos.

La primera de ellas, que es de 2011, no pasa de ser una mera imagen documental con cierto valor compositivo y, poco emocional desde mi actual punto de vista, más allá de cierta melancolía otoñal de algo caduco.

WHITE POPLARS – David Frutos Egea © 2011

La segunda fotografía, que data del 2013, ya demuestra cierto dominio de técnicas fotográficas específicas y también un grado emocional. La imagen parece una pintura impresionista y muestra cierta semejanza con un bosque en llamas, pero aún queda anclada en la «realidad» conservando los colores y tonos reconocibles por todos.

A la postre, ésta fotografía, obtuvo el 2º Premio en categoría de Naturaleza y el 1º Premio en categoría de Árboles en el «Prix de la photographie de Paris PX3» de 2013.

SPRING IMPRESSIONS IN THE FOREST – David Frutos Egea © 2013

La tercera, y última imagen realizada en 2019, nos transporta al mundo de los sueños, al surrealismo pictórico. A la técnica se le suma el componente emocional que otorga la libertad de poder jugar con los colores alejando al espectador totalmente de la realidad.

SURREAL FOREST – David Frutos Egea © 2019

Para finalizar, cabe señalar, que es la propia evolución dentro de la senda fotográfica individual «contaminada» por lo colectivo lo que moldea nuestra manera de hacer y sentir lo que amamos, en mi caso la fotografía de naturaleza.

David Frutos Egea 2020

Hasta la fecha he venido haciendo casi exclusivamente fotografía de naturaleza centrado en el paisaje. Primero fue más documental, ahora más personal, íntimo, de autor. Desde siempre me he visto atraído por el mundo natural, el mundo de los más pequeños. Descubrir comportamientos ocultos, desconocidos; belleza efímera, breve, temporal y caduca.

Estoy en un cruce de caminos, una elección que tomar, una dirección que seguir. He decidido ampliar mis conocimientos, mis habilidades, mi manera de mirar y transmitir lo que siento al enfrentarme a un nuevo reto.

La macrofotografía es mi elección…¿Por dónde empezar? La respuesta es sencilla, aunque el camino será duro: Formación y asesoramiento. Preguntarle a los mejores, a aquellos que han abierto camino, a los referentes que me han venido dejando boquiabierto con cada nuevo trabajo publicado.

«Uncovered» © 2019 David Frutos Egea

Hace unos meses anduve de la mano de un buen compañero por el interior de esta tierra amada nuestra que es España, un amigo de esos de los que te dejan con la boca abierta cuando ves un nuevo trabajo, un nuevo proyecto con su firma debajo.

No imaginaba lo que me esperaba, una explosión de vida allá por donde fijaras la vista. He de reconocer que no había visto tanta mariposa junta desde que camino por La Tierra. No sabía dónde fijar mi atención, casi ni qué hacer, estaba sobrepasado por el momento que estaba viviendo.

Después de muchos intentos, posturas imposibles, pruebas y fallos logré dar con una foto que me ha llenado y ahora ve la luz. Digo que me ha llenado porque hasta el momento estaba vacío de contenido de esta disciplina. Espero que sea el inicio de un nuevo mundo por descubrir con paciencia y humildad.

Como rúbrica final comentar que esta fotografía ha sido recientemente premiada en un concurso de ámbito regional. ¿Significará que voy por el buen camino?

David Frutos Egea – 2020

Estamos acostumbrados a buscar figuraciones y pareidolias en elementos de la naturaleza, pero siempre en escenarios reducidos, y se me ocurre que ¿qué tal si ampliamos horizontes?, ¿qué tal si buscamos no en elementos del paisaje sino en el propio paisaje?, ¿qué tal si buscamos paisajes en nuestro entorno cercano, en aquél que dominamos, con la mirada puesta en lugares lejanos?. O sea, se trata de ser capaces de recrear paisajes lejanos, conocidos por todos, usando como modelo a nuestro entorno cercano.

Creo imprescindible teletransportarse a esos otros lugares en el momento de la toma, así lo hice yo cuando realicé estas tres fotografías que aquí os traigo a modo de ejemplo.

Estos días, desde nuestro particular encierro, podemos hacer un ejercicio buscando entre las fotos que ya tenemos para ir entrenando o bien pensando cómo podemos plasmar con composiciones tomadas cerca de casa esos lugares icónicos para todos los fotógrafos de naturaleza.

Aquí os muestro lo que podrían ser, a mi modo de ver, 3 ejemplos de lo que os digo, en los que me meto en el papel de “haber estado allí” pero “sin salir de aquí”.

“Recuerdos del Gobi”, desde la campiña sevillana (Sevilla).
Esta imagen de unos campos de labor realizada en la campiña sevillana, a unos 50 minutos de casa, me transporta al desierto, con sus tonalidades doradas y su horizonte brumoso.

GOBI – © 2020 Manuel Enrique González Carmona

“Recuerdos de Islandia”, desde el entorno de Río Tinto (Huelva).
Aquí me recuerda a esas fotos aéreas de algún río de Islandia, otro de esos lugares icónicos para los fotógrafos de naturaleza. Muchos han ido ya, otros como yo nos contentamos con buscar parecidos.

ICELAND RIVER – © 2020 Manuel Enrique González Carmona

“Recuerdos de Hokkaido”, desde el Parque Natural Sierra de las Nieves (Málaga).
Cuando fotografío en este entorno con nieve, para conseguir los resultados minimalistas que busco, me es imprescindible pensar en los paisajes de Hokkaido (Japón) que tengo grabados en mi mente. Fui conocedor de ellos a través de la fotografía de Michael Kenna. También me inspiro en la pintura japonesa “Sumi-e”.

SUMI-E – © 2020 Manuel Enrique González Carmona

Espero haber despertado en algún alma viajera una nueva mirada hacia el entorno que le rodea, que seguramente sea de singular belleza por sí mismo y que aparte de soñar con “ir lejos” disfrutemos de “lo que tenemos cerca”.

Manuel Enrique González Carmona 2020

Y en su libro nos hace una excelente recopilación de textos de grandes fotógrafos y docentes de la historia de la fotografía: Moholy-Nagy, Edward Weston, Cartier-Bresson, Minor White, etc., lo que lo convierte en un libro imprescindible para la iniciación al estudio del medio.

Como quiera que el espacio breve de un post en un blog no nos permite entrar en extensas argumentaciones, creo que una aproximación a los principios teóricos que rigen la teoría de las obras de algunos fotógrafos ilustres, podría ser mencionar alguna cita suya.

A mi juicio, el valor de las buenas citas es su capacidad de síntesis, que en pocas palabras pueden llegan a destilar toda una filosofía.

Confieso que soy un aficionado a coleccionar estas citas, que cuando son brillantes, pueden hacer reflexionar tanto o más que un extenso ensayo. A modo de ejemplo voy a citaros algunas de mis favoritas y os invito a que añadáis alguna que os parezca interesante.

“Sabía que siempre habría quién se fijara únicamente en la técnica preguntándose ¿cómo?, mientras que otros, más curiosos por naturaleza, se preguntarían ¿porqué?” Man Ray ( EEUU 1890-1976)

 “Las limitaciones de la fotografía están en uno mismo, pues lo que vemos es lo que somos. Si la belleza no estuviera en nosotros, ¿cómo podríamos reconocerla?”  Ernst Haas (Austria 1921-86)

 “Lo que el hombre ve y lo que el hombre encuentra, es tan creativo como lo que el hombre crea” Minor White (EEUU 1908-76)

“El poder equivalente, en lo que nos concierne al fotógrafo creativo-expresivo, descansa en el hecho de que puede transmitir o evocar sentimientos acerca de las cosas, situaciones o eventos que por una u otra razón no pueden ser fotografiados. En literatura a este sentimiento específico asociado con una equivalencia se le llamó “poético”, en fotografía: “visión”. Alfred Stieglitz (EEUU, 1864-1946)

  “ los fotógrafos son ángeles, no dioses. Su trabajo no consiste en crear a partir de la nada, sino en comprender mejor lo que ya está creado y ver el mundo de una manera especial para que sea coherente. No nos está permitido trabajar en abstracto como a filósofos o teólogos y eso es lo que ha convertido a la fotografía en un medio tan interesante en la actualidad” Robert Adams (EEUU 1937)

“Os explicaré como me asalta el deseo de hacer una fotografía. A veces es como la continuación de un sueño. Una mañana me despierto con una extraordinaria alegría de vivir. Entonces tengo que empezar” Robert Doisneau ( Francia 1912-94)

Pero hay una fotografía que siempre me ha acompañado y siempre tengo en el recuerdo, una fotografía que me abrió las puertas a caminos de sueños, emociones, sentimientos y recuerdos. No es una fotografía de naturaleza pero tiene mucho que ver con el camino que he ido recorriendo en la búsqueda de esa fotografía que me siga emocionando y me siga dando fuerzas para seguir madrugando, pasando frio, llenarme de barro y un sinfín de pequeñas torturas solo por el placer de disfrutar de la fotografía. Era una premisa por aquel entonces y lo sigue siendo ahora.

Aún recuerdo montado en mi bicicleta , la cámara colgando (por aquel entonces tenia una MINOLTA X-300S con un objetivo 28-70mm) camino a fotografiar una maquina antigua, abandonada en mitad de un campo, cercana a un polígono lleno de vida. Hay estaba esa vieja maquina ignorada y maltratada por el trascurrir del tiempo.

Yo por aquel entonces todas las fotografías las hacia en blanco y negro y si podía las ampliaba y revelaba en casa (aunque no siempre ya que el dinero llegaba donde llegaba) en aquel momento tenia 18 añitos hace mas de 20 años(como pasa el tiempo)

Cuando llegue al lugar empecé a observar esa vieja apisonadora y empecé a dar vueltas alrededor de ese amasijo de hierro mientras pensaba en el abandono, la muerte, la soledad, la tristeza…. ¿Como trasmitir esas emociones? Mientras las dudas me corrompían por dentro realice algunas imágenes. Al cabo de un rato empecé a experimentar con el movimiento y la baja obturación y la búsqueda de ese movimiento que representaba la vida en contraposición a esa enorme maquina inerte y abandonada. Era la primera vez que trabajaba el movimiento y estuve realizando imágenes con diferentes velocidades y diafragmas. Ese día descubrí la importancia de la fotografía en mi vida y la necesidad de trasmitir esas emociones mediante esta disciplina artística.

Con esta fotografía recibí mi primer premio fotográfico y estuvo expuesta en Zaragoza, su titulo era “Maquina muerta tu sueño es vivir”.

Hoy en día ya no me motivan las maquinas ya que he encontrado en la naturaleza mi musa particular pero sigo buscando mi camino. Un camino apasionado y lleno de contradicciones y pensamientos y en donde en algún lugar danzan dos flores mecidas por el viento.

Cuando un crítico de Arte quiso comprar “las señoritas de Avignon” del maestro Picasso, le preguntó al pintor, que era lo que representaba aquel lienzo. Picasso no supo explicárselo de una manera inmediata, sino que lo sintetizó en una frase:  “Las pinturas a veces vienen de muy lejos».

La creación fotográfica también viene de muy lejos, aunque muchas veces no somos conscientes. Cuanto más profunda es una fotografía, más largo e intenso ha sido el viaje.

Siempre salimos con una mochila cargada de herramientas mecánicas, cámara, objetivos, filtros, disparador, flash, pilas, baterías….

¿Cuántas veces sacamos nuestras experiencias a la hora de disparar de la otra mochila?

Todos llevamos siempre encima la mochila de nuestras experiencias, y lo bueno que tiene, es que siempre va con nosotros.

Al igual que nuestras experiencias en la vida, va puliendo nuestra forma de ser, en fotografía,  va puliendo nuestra propia obra.

Creo firmemente, que si la abstracción de Antonio Camoyán, el detalle del paisaje de  Isabel Díez, los planos cromáticos de Rotcko, la originalidad de los concursos…. no hubiesen formado parte de mis experiencias a lo largo de todos estos años, seguramente nunca hubiese captado así la playa de Vik en Islandia.

Últimamente, utilizo más la mochila de las experiencias que la otra, pues, la del equipo fotográfico me permite plasmar aquello que veo, pienso o siento…pero sin la otra… no tendría nada que representar .

En el fondo de esta mochila, es donde reside el motor creativo, donde buscaremos el aprendizaje de nuestros maestros, la inspiración de nuestras musas, nuestros estados de ánimo, nuestras sensaciones del entorno, nuestro mundo imaginario, nuestro azar en el proceso… son algunas de las herramientas que encontraremos en nuestra mochila, y que conjugándolas, lograremos imágenes únicas.

Todos no somos iguales, ni nos gustan las mismas cosas, ni pensamos igual. Así que cuanto más utilicemos la mochila de nuestras experiencias, más auténtica será nuestra obra.

Cuando me oyen hablar sobre Africa, o las focas de Donna Nook, pe, mucha gente entiende que fotografío la realidad tal cual y, aunque también lo hago, si siento que lo que quiero mostrar es únicamente la bella, o extraordinaria, o dramática escena que tengo ante mis ojos, lo cierto es que cada vez más mi fotografía es el resultado de fundir la realidad con el sentimiento, y…, expresar a través de imágenes lo importante y grande que hay en cada especie animal. Aunque hay quien opina que la fotografía de autor es meramente artística y se sorprende cuando me declaro conservacionista y animalista, nada más lejos de la realidad. Cualquier fotografía que sea capaz de transmitir, de conmover y de transformar el modo de actuar de un espectador sirve como herramienta para ayudar a conservar y proteger el planeta en el que habitamos. De hecho estoy convencida de ello. Un público que por formación, por su estilo de vida, etc… no se ha parado a pensar por el serio problema que atraviesa La Tierra, un público más atraído por el arte, por unas vacaciones urbanas o playeras… que por llenarse de polvo en la dorada sabana , podría descubrir a través de la fotografía de autor un mundo desconocido, insólito y excepcional. Un mundo en apuros, un mundo necesitado de solidaridad y… con la suerte que es de esperar, ese nuevo público, ese nuevo espectador pasar a ser uno más en nuestro propóito.

Por eso, cuando fotografías lo que amas , tu visión va íntimamente vinculada a la escena. No la alteras. Es… La pura realidad, pero una realidad que expresa la intimidad existente entre tú y ellos.  Es … El lenguaje del corazón transformado en fotografía,tu nuestra vuestra fotografía.

De vuelta a la realidad, abría esta vez la puerta de casa, tras cruzar el pasillo, llegaba al salón y mi mirada recorría una estantería  deteniéndose al final de ésta. Allí estaba, podía incluso notar como si me mirara, podía notar incluso su malestar conmigo, porque ya no la sacaba a respirar por los húmedos campos de la primavera, porque ya no pasaban las luces de un amanecer a través de ella y porque no pasaba frio, calor o humedad.  Podía notar hasta su soledad, porque ya no tenía un compañero junto a ella, que le guiaba la luz, en su lugar una negra tapa ocupaba ese espacio, y me trasladaba una imagen de un objeto mutilado.

Pero aun así, ahí seguía en la estantería, esperando que llegase el día de volver a oír la risa de su obturador, mi primera cámara réflex digital.

En la estantería no está sola, muchas cámaras “analógicas” del siglo pasado le acompañan, y ella, la primera de este siglo, espera al final de la fila. Probablemente para un coleccionista de cámaras, las más antiguas, las fotoquímicas, tenga mucho más valor material, pero para mí, ella es la que tiene el mayor valor sentimental.

Miro hacia atrás y recuerdo aquellos primeros años de la era digital en fotografía. Por aquel entonces todavía me encontraba escaneando “velvias” y “sensias”, y una vez digitalizado iba avanzando en los conocimientos de la fotografía digital. No fue hasta que los modelos de cámaras digitales réflex se abarataron considerablemente y su resolución y calidad empieza a competir con las emulsiones, cuando me plantee dar  el salto. Y fue entonces  cuando me hice con un cuerpo réflex digital, la mítica Canon 10D.

Nunca me he desecho de ella, han pasado más modelos por mis manos, pero ella sigue ahí, hay un gran sentimiento de apego hacia ella.

Intento ahora racionalizar de donde viene este sentimiento. Quizás la parte subjetiva, venga de que fue un objeto de deseo y una vez  ya conmigo están asociados a ella grandes momentos fotográficos y vitales.

En la parte objetiva, sin duda el apego viene a que con ella progrese exponencialmente en la técnica fotográfica, con ella he conseguido  imágenes que me han dado muchas satisfacciones, imágenes que hoy en día se siguen publicando en libros y revistas, con ella viaje muchísimo e hice gran parte del archivo fotográfico, que a día de hoy sigue vigente. Siendo materiales, es sin duda una las partes de mi equipo fotográfico mas rentabilizado.

Pero hay algo mágico en ella, que me cuesta explicar.  Muchas de aquellas imágenes, no he podido volver a repetirlas. No sé porque, pero sucede. Las imágenes de ahora no son las mismas, se le parecen, pero muchas no tienen ese “algo” que tenían las que hacía con ella. Puede ser que en el camino, haya perdido la frescura, que ya no me enfrente a un escenario con la visión inocente de un niño, con esa ilusión primigenia de lo que tienes delante y de la satisfacción de haberlo captado. Puede ser, que lo de ahora simplemente sea una repetición de lo que ya hice con ella, y que por eso valoro mas aquellas imágenes que las actuales.

Pero también, hay algo en las características de la imagen, en sus colores, su contraste y sus tonos, que no he podido reproducir. Muchos dirán que la riqueza tonal de las imágenes de las cámaras actuales superan a las de aquellos años, y están en lo cierto, pero yo no he podido volver a reproducir los verdes del musgo y las hojas de un bosque de primavera con una cámara actual de cómo lo hacía con aquel modelo. No sé a qué se debe, si a la conjunción del archivo con el software de conversión RAW, en aquellos años, de controles muy primitivos, o a lo sugestionado que me tiene esta vieja cámara.

Me despido de ella con la promesa de que un día, y siempre, un día, la volveré a pasear. La miro por última vez y me fijo en su pantalla LCD, donde veía, si nos llevamos a casa aquel día un trozo de magia de la naturaleza, una pantalla que ahora se me antoja minúscula, un poco más grande que la esfera de mi reloj, y que curiosamente en aquellos años me parecía enorme, tan enorme como las actuales, que parecen LCD de móviles de última generación.

Sin duda, cuando todo lo ves con la mirada inocente e ilusionante de un niño, todo te parece grande y maravilloso.

                                                                                                                                                                             Raúl Esteban.